Terminale option facultative arts plastiques / références artistiques
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Après "Lascaux 1" (l’original, découvert en 1940 et fermé en 1963), "Lascaux 2" (la copie partielle ouverte en 1983) et "Lascaux 3" (l’expo itinérante de 2012), le centre d’art pariétal "Lascaux 4" constitue une première: la reconstitution complète de la grotte. "Lascaux 4" montre depuis 2016 les 680 fresques recensées à Lascaux, ainsi que les 1.500 gravures , c’est-à-dire les fresques ayant perdu leur couleur, puisqu’il y a 18.000 ans, toutes les fresques étaient gravées avant d’être coloriées.
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Chaque tableau est constitué d’un portrait de profil, composé d’éléments rappelant la saison. Les 4 saisons sont représentées sous les traits d'un homme, depuis l'adolescence jusqu'à la vieillesse. De la version originale subsistent L'Hiver et L'Été, exposés à Vienne, et Le Printemps, exposé à Madrid. Parmi les versions les plus connues figurent celles du Louvre, copies faites par le peintre. Chaque tableau peut être exposé sans les autres, comme réunir la série peut aussi sembler justifié...
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« Vanité, ou Allégorie de la vie humaine », est un tableau datant de 1646 peint par Philippe de Champaigne, peintre français du XII ème siècle. Cette nature morte est une huile sur bois de 28 cm x 37 cm exposée au musée de Tessé à Le Mans. Le tableau est composé essentiellement de trois éléments à savoir une fleur, un crâne et un sablier, qui impliquent la notion de la vie, la mort et le temps.Les Vanités sont des peintures d'un nouveau genre qui apparaissent au tout début du XVIIe siècle.
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Rose Bertin est la couturière de Marie Antoinette. Elle est la créatrice de la Haute Couture au XVIIIe siècle. La date inscrite dans la frise est son année de naissance étant donner que les informations de l'époque à ce sujet sont pauvres. Elle est décédée en 1813.
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La Grande Galerie est représentée telle qu'elle existait au moment de sa première ouverture au public en 1795. Elle contient de très nombreuses œuvres d'art : des tableaux exposés à touche-touche le long des murs et des sculptures érigées dans des niches encadrées de pilastres ou au centre de l'espace. Volonté de partager une quantité d'oeuvres, en exploitant au maximum l'espace de présentation, au détriment de la qualité de celle-ci ? Quelques visiteurs sont présents, dont plusieurs copistes.
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Visionnaire, Carmontelle? Cet artiste du siècle des Lumières, inventa, en 1798, l'ancêtre de la pellicule de film : 119 feuilles de papier vélin peintes à la gouache et à l'aquarelle collées les unes aux autres pour former un rouleau. Tendu entre deux bobines, il se déroule petit à petit, sur 42 m de longueur, actionné par 2 manivelles et éclairé en transparence par 2 ouvertures conçues pour laisser passer la lumière du jour. Comme par miracle, les scènes défilent sous les yeux des spectateurs..
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L'Origine du monde est un tableau de nu féminin réalisé par Gustave Courbet en 1866. Il s'agit d'une huile sur toile de 46 × 55 cm, exposée au musée d'Orsay depuis 1995. Cette oeuvre appartient au mouvement Réalisme.
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La sculpture originale avec un corps en cire colorée imitant la texture d'une peau humaine, était revêtue de vrais accessoires en tissus, et d'une perruque en cheveux. L'épreuve en bronze ne garde comme accessoires réels que le ruban des cheveux et la jupe, le reste étant recouvert de diverses patines colorées qui différencient le corps des vêtements. L'aspect hétérogène vient du contraste entre la représentation en bronze et les vêtements bien réels utilisés pour l'habiller.
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Rodin est l'un des plus importants sculpteurs français de la seconde moitié du XIXᵉ siècle considéré comme un des pères de la sculpture moderne. Maniant l'argile avec une étonnante créativité, il donne vie a des sculptures en terre cuites à l'échelle surdimensionnée ou sous-dimensionnée.Moulées ses œuvres sont parfois exposées en plâtre, en bronze ou encore en marbre taillé par ses assistants. Ici, L" Andromède "est intéressante pour les contrastes de matières entre le lisse et le rugueux.
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La série des Cathédrales de Rouen est un ensemble de 30 tableaux peints par Claude Monet représentant principalement des vues du portail occidental de la cathédrale Notre-Dame de Rouen (deux autre tableaux représentent la cour d'Albane), peintes à des angles de vues et des moments de la journée différents, réalisées de 1892 à 1894. Il est impossible de déterminer la date exacte d'achèvement de chaque toile, car l'ensemble fut remanié et terminé en atelier.
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Georges Braque est un artiste cubiste du XXs. Il est l'auteur d'une "Femme tenant une mandoline" exposé au Bayerische Staatsgemäldesammlungen à Munich en Allemagne. Elle est de forme ovale et mesure 92 x 73 cm. Dans cette oeuvre nous pouvons voir, à travers des formes géométriques, une femme dissimulée. C'est un artiste qui est exposé dans le monde entier. Il a fortement été touché par la seconde guerre mondiale qui l'a beaucoup inspiré dans son travail.
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Cette oeuvre est révolutionnaire : il s'agit de la première manifestation de la technique du collage dans la sphère artistique. De forme ovale, l'oeuvre est entourée d'une corde faisant office de cadre. Un morceau de toile cirée au motif de cannage y est intégré. L'intégration de la corde et du morceau de toile cirée, d'éléments non traditionnels, est tout à fait inusuelle. Cette intrusion de matériaux utilitaires remet en cause la conception classique d'un savoir-faire pictural sacralisé.
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Marcel Duchamp est un artiste français (puis naturalisé américain), mondialement connu. Il a d’ailleurs exercer une influence majeure sur les différents courants de l'art contemporain.
Il n’appartient pas à un courant artistique précis, mais on peut le reconnaître dans l'art minimal, dans l'art conceptuel ou encore le body art, dans ces démarches artistiques et idéologiques.
Dans cette oeuvre mondialement connue également, Marcel Duchamp renverse les codes de l’art et fait du socle l'oeuvre. -
Fontaine est un ready-made, c'est-à-dire un « objet tout fait », autrement dit une idée que Marcel Duchamp a eue de « choisir » un urinoir industriel en vue d'une exposition d'art moderne au lieu de faire une sculpture de ses mains. L'objet original est un simple article de sanitaire acheté dans un magasin à New York. Ajout à la peinture noire de l'inscription « R. Mutt 1917 ». L'objet inutilisable est pivoté d'1/4 de tour de façon que la face, usuellement verticale, soit posée à l'horizontale.
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Au printemps 1918, Picasso réalise cette peinture, volontairement inachevée et inspirée d’une photographie, avec le drapé de la robe, un éventail coloré et un beau tissu à grandes fleurs qui rappellent les portraits d’Ingres. Serait-ce un tournant dans son oeuvre, un «retour à l’ordre» ou aux anciens canons académiques délaissés par Picasso ? La virtuosité du trait, la précision figurative, la douceur des modelés semblent le confirmer. Picasso ne l'achève pas et se tourne déjà ailleurs...
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Ampoule rapportée de France et offerte comme cadeau original à son ami et mécène Walter Arensberg ; l'ampoule s'est brisée en 1949 et a été restaurée. La même année, l'artiste a fait emplir une nouvelle ampoule chez un pharmacien parisien qui l'a refermée au bec Bunsen. Enfin, en 1964, l'oeuvre a été dupliquée en plusieurs exemplaires). Avec ses Ready-made, Marcel Duchamp affirme que tout ce que désigne l'artiste est oeuvre d'art et que l'idée (concept) est équivalente à l'oeuvre.
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Claude Monet s’investit beaucoup dans le projet architectural aux côtés de l’architecte Camille Lefèvre. Ce sont finalement 8 panneaux de 2 m de haut, d’une longueur totale de 91 m, qui sont disposés dans 2 salles ovales formant le signe de l’infini. Leur orientation est-ouest les place dans la course du soleil et le grand axe parisien qui va de l’Arc de Triomphe au Louvre. Enfin, la lumière naturelle qui provient du plafond plonge le visiteur dans un état de grâce voulu par le peintre.
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Le Merzbau est une œuvre d'art consistant en une construction habitable, une sorte d'environnement, constitué d'objets trouvés. Schwitters travailla de 1919 à 1933 sur la forme Merzbau qui atteint la taille de huit pièces dans sa maison de Hanovre. L'arrivée des nazis au pouvoir en Allemagne en 1933 contraignit Schwitters à l'exil en Norvège. Il tenta de réaliser un nouveau Merzbau dans les environs d'Oslo, mais le laissa inachevé à la suite de l'invasion du pays. UK: même chose après 1945...
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Ce tableau a été peint entre les deux guerres mondiales. A cette époque le rouge à lèvre ne se portait pas en public. Seules les actrices comme Mae West en portaient. En plein surréalisme, Dali pensait que tous les éléments d'un visage pouvaient être remplacés par des objets de la vie quotidienne; c'est donc en voyant une photo du visage de Mae West qu'il a décidé de faire cette peinture.
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L’objet et le rêve occupent une place importante chez les Surréalistes (Magritte, Breton, Dali). Meret n’a que 23 ans quand elle crée cet objet, qui devient l’objet fétiche du groupe. Elle savait conjuguer cette recette surréaliste : "idée-humour-instant-hasard". Ici, elle nous propose une œuvre étrange, provocante et poétique à la fois. C’est un exemple de transformation de matériau, qui rend inutilisable l’objet usuel, provoque attirance et répulsion. Il s’en dégage un malaise indéfinissable.
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Le mont Rushmore consiste en une sculpture monumentale de granite localisée à l’intérieur du mémorial présidentiel des États-Unis, il retrace 150 ans de l'histoire du pays. Les sculptures de Gutzon Borglum, hautes de 18 mètres, représentent quatre des présidents les plus marquants de l'histoire américaine des années 1770 aux années 1900. Il s'agit de gauche à droite de George Washington (1732-1799), Thomas Jefferson (1743-1826), Theodore Roosevelt (1858-1919) et Abraham Lincoln (1809-1865).
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Si les assemblages d'objets hétéroclites ont constitué un jeu très prisé par Picasso, la réalisation de cette Tête de taureau - animal emblématique de l'œuvre de Picasso - confine au génie. Une selle et un guidon de vélo : " en un éclair ils se sont associés dans mon esprit " déclare Picasso. La forme, simplissime, fonctionne d'autant mieux qu'elle renvoie aux taureaux schématiques des peintures pariétales de la préhistoire, à ceux de la Crête antique, ou encore à ceux de Picasso lui-même.
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Dans ses boîtes, Cornell élabore des microcosmes où s’entremêlent rêve et réalité. Nostalgique d’un monde passé, les boîtes qu’il réalise sont constituées d’objets divers qu’il déniche chez les brocanteurs et antiquaires. Au-delà de l’aspect délicat et poétique de ses œuvres, le réemploi d’objets sans grande valeur témoigne de la réelle affection qu’il éprouve pour eux. Vestiges et témoins d’un passé révolu, Cornell leur fournit un dernier écrin en leur conférant ainsi une sorte d'immortalité.
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Picasso, il a fini par là où, normalement, il aurait dû commencer. C'est vrai, seulement pour arriver à son taureau d'une seule ligne, il a fallu qu'il passe par tous les taureaux précédents. Et quand on voit son onzième taureau on ne peut s'imaginer le travail qu'il lui a demandé.
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Le monde artistique regorge d’outils et de machine à faire de l’art fabriqués par les artistes eux-mêmes qui sont pour le moins étonnants. L’outil peut être simplement l’accessoire d’une réalisation comme c’est le cas pour les dripping de Jackson Pollock.
C’est en 1947 que Jackson Pollock abandonne l’utilisation classique du pinceau pour le dripping (projection de peinture sur la toile). A noter que ses outils n'entrent pas en contact avec ses supports: la peinture dégouline ou est projetée... -
Utilisation de matériaux qui ne sont pas considérés comme traditionnels. On pense généralement à des matériaux durables dès qu'il s'agit de sculpture comme le marbre, le bronze ou le bois. La chèvre est constituée de morceaux de bois, de plâtre, d'objets récupérés et assemblés. C'est la raison pour laquelle on parle d'assemblage, une technique en volume qui consiste à relier différents éléments pour former un tout. Picasso a rendu l'ensemble homogène avec la couleur.
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Scène extraite de "Visite à Picasso", un documentaire de Paul Haesaert. Dans cette vidéo on a Picasso qui peint sur une vitre avec une peinture blanche et il est filmé de façon à ce qu'il soit inclu dans l'oeuvre c'est-à-dire qu'on le voit à travers son oeuvre.
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Le "Sapporo Snow Festival" se déroule au Japon depuis 1950. Cet événement prend place dans les 3 principaux parcs de la ville de Sapporo. Ouverture aux artistes étrangers depuis 1974. Chaque année, plus de 2 millions de personnes viennent contempler les centaines de sculptures en neige et glace réalisées par des collectifs d'artistes. Galerie éphémère à ciel ouvert, cette manifestation a lieu tous les ans durant les 15 premiers jours du mois de février. Plus d'informations ici: www.snowfes.com
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Cette sculpture de Pablo Picasso est faite de plâtre et d'objets divers: métal, céramique et deux petites voitures d'enfant. Des matériaux de récupération hétérogènes qu'il est parvenu à assembler et auxquels il a donné un aspect homogène ! Cette œuvre révèle son art de l'assemblage et de la métamorphose des objets du quotidien.
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Le Solomon R. Guggenheim Museum est un musée d'art moderne situé sur la Cinquième avenue dans l'Upper East Side à New York, aux États-Unis. C'est le plus connu des différents musées créés par la fondation Solomon R. Guggenheim. L'espace muséal a une structure en hélice. Le visiteur entre par le sommet, puis descend progressivement jusqu'au niveau du sol par une rampe légèrement inclinée: la notion de salle d'exposition disparaît ainsi au profit d'une continuité de présentation.
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Lucio Fontana est un peintre et sculpteur argentin très connu pour ses oeuvres spatiales. En effet, il fend des toiles afin de jouer avec l'espace de présentation des oeuvres, et ainsi crée un espace derrière la toile. Le bord des fentes qui ressortent avec l'ombre, les trou qui apparaissent noirs, la transformation de la toile en un support modifiable sont des idées appuyées par Lucio Fontana.
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Yves Klein, "Anthropométries". C'est une série d'oeuvres qui consiste à peindre des femmes nues et d'en prélever leurs empreintes sur un support. Un protocole est suivi pour ces œuvres. Cet événement est très médiatisé et est devenu. important dans l'histoire de l'art actuellement.
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Ce mobile suspendu représente à lui seul la part la plus populaire de l’œuvre de Calder, connue par des éditions monumentales dans des espaces publics, présentes partout dans le monde. Couleurs, légèreté, ludisme, abstraction : par ces qualités, les mobiles, agités par le moindre souffle d’air, ont incarné l’antithèse de la sculpture classique aux volumes massifs, et sont devenus des symboles de modernité.
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L’oeuvre est composée de deux panneaux de même taille. Celui de gauche, représente un avion américain en train de torpiller l’avion qui se situe dans le panneau de droite, qui explose en un grand «WHAAM !». Roy Lichtenstein respecte les codes de la BD: des formes simplifiées, une bulle (pensée du pilote), une onomatopée (le bruit de l’explosion) et surtout, le fait que l'image soit figée au moment le plus important de la scène. Sans oublier une image compartimentée, divisée en deux cases...
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Andy Warhol était un artiste, réalisateur et producteur américain. Il fait partie des pop artistes. Le "Shot Marilyns" est une œuvre d'art réalisée en 1964 par Andy Warhol. Elle se compose de quatre toiles, chacune d'un carré de 1 mètre chacune sur laquelle il y a une peinture de Marilyn Monroe avec des fonds de couleur differentes, elles ont également un impact de balle sur le front.
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C'est en 1965 que Roman Opalka commence un projet « 1965 / 1 - ∞ / ». Sur la première toile il inscrit à la peinture blanche en haut à gauche le chiffre 1. Le fond de chaque toile s’éclaircit de 1 % de blanc par rapport à la précédente. Après chaque autoportrait, il prend une photographie des son travail de son visage, toujours dans les mêmes conditions d’habillement et d’éclairage. On peut aussi entendre l’enregistrement de sa voix énonçant en polonais la succession des nombres.
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Ce tableau de Luis Velasco est un portrait de sa femme dans un style hyperréaliste (mouvement artistique pictural du dernier quart du XXe siècle qui consiste à reproduire à l'identique, tellement réaliste que le spectateur vient à se demander si la nature de l'œuvre artistique est une peinture ou une photographie). Dans cette oeuvre, Claudio Velasco vient jouer avec les règles de l'hyperréalisme en ajoutant a son oeuvre hyperréaliste des incohérences notamment au niveau de l'échelle.
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Oldenburg tourne en dérision les symboles et obsessions du monde capitaliste, transformant en sculptures ludiques et souvent en véritables monuments des biens de consommation (hamburger, pâtisserie crémeuse, frites, cornet de glace, allumettes, pince à linge, téléphone…). Il les confectionne de manière provocante, n’hésitant pas à utiliser des matières molles (frites en tissu…), pour nous les faire regarder autrement. Sculpture molle suspendue au plafond, tombant et se répandant sur le socle...
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Le rythme vital et la précarité... Alliance contrastée: illusoirement éternel pour le minéral, terriblement bref pour le végétal soumis à un inéluctable processus de dégradation. Cette sévère allégorie échappe au registre de la Vanité par sa nécessaire réactualisation. La salade est garante de l’équilibre instable entre les deux éléments en pierre, que seul le soin journalier consistant à remplacer la plante qui se déshydrate permet de maintenir. Si la laitue s’étiole, l’alliage se rompt.
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Supports/Surfaces est fondé au XXeme siecle (1969) par V.Bioulès. Il regroupe des artistes travaillant sur le matériau, le support, la surface, les composants élémentaires. C'est une remise en cause des matières premières qui constituent une œuvre. Ils travaillent la sculpture, la peinture. C'est un mouvement éphémère mais fondateur de l'art contemporain. "Claude Dezeuze peignait des châssis sans toile, moi je peignais des toiles sans châssis et Saytour l'image du châssis sur la toile."
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Oeuvre faite de boue, de cristaux de sel, de rochers de basalte, de bois et d'eau, située au nord-est du Grand Lac Salé (USA). En 1970, le niveau de l'eau du lac était anormalement bas à cause de la sécheresse. Le niveau est ensuite remonté et a submergé l'œuvre. Sécheresse de 2002, la jetée a émergé à nouveau et est restée complètement exposée à l'air libre pendant presque un an. Le niveau de l'eau est monté à nouveau au printemps 2005 et a partiellement submergé l'œuvre une nouvelle fois...
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Dès 1970, il invente une civilisation d'hommes minuscules: les Little People. Ils vivraient dans des habitations de petites briques assemblées avec minutie. Charles Simonds construit leurs demeures, à demi ruinées, quasi invisibles, dans les quartiers populaires de New York, en incrustant ses "Dwellings" de terre glaise, tels des joyaux, aux murs lépreux de bâtisses abandonnées. Les demeures fragiles ont une vie éphémère , soumises aux intempéries et à la bonne garde des habitants...
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"Sunset" est une série de couchers de soleil appartenant au mouvement pop art, produite par Andy Warhol en 1972 sur du papier tissé lisse. Il s’est inspiré de couchers de soleil de East Hampton, San Francisco et New York. L’impression sur écran a été produite à partir de 472 variations de couleurs avec l’utilisation de trois écrans : l’un pour appliquer les bandes de fond de couleur, une pour le soleil lui-même et une avec un motif de point de couleur unique.
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Le Flamingo se compose d'acier et pèse au 50 tonnes. Alexander Calder choisit la couleur rouge. Il opta pour cette couleur rouge contrastant avec son environnement, étant donné que la plupart des immeubles de bureaux situés à proximité sont tous de couleur noire. Le stabile est une forme d'art qui a lancé la carrière de Calder. Il s'agit d'une structure abstraite qui est complètement figée, par opposition à une sculpture mobile, qui prend des dispositions variées sous l'influence du vent.
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Supports/Surfaces est un mouvement artistique fondateur de l'art contemporain français , en peinture et en sculpture. Dès 1966, le support traditionnel est remis en question : Buraglio récupère des morceaux de toile, cadres et châssis et des éléments de fenêtre qu’il assemble. À partir de 1974, Pierre Buraglio met en œuvre les «Châssis»et les «Cadres». Claude Viallat: « Dezeuze peignait des châssis sans toile, moi je peignais des toiles sans châssis et Saytour l'image du châssis sur la toile. »
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Jimmie Durahm est un artiste qui apparaît dans les années 1970-80. Il crée des installations, des sculptures, peintures, dessins, vidéos... Il utilise beaucoup de moyens d'expression divers dans des visées politiques afin de dénoncer les idéologies auxquelles il s'oppose. Il est d'origine Cherokee et utilise parfois l'humour dans ses oeuvres.
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Ces carrières ont été creusées pour en extraire le calcaire blanc. 1935 est la date de la fermeture. Dans le site, se déroule un spectacle permanent, créé en 1976. Les murs font plus de 14m de hauteur, avec une surface de 7000m². Le spectacle dure 30min pour 2000 images numériques projetées sur les murs.
Les Carrières sont un centre d'art d'expositions immersives, labellisé «Site naturel classé». Aux Baux-de-Provence, elles sont gérées par la société Culturespaces (avant Cathédrale d'Images). -
L'œuvre consiste en 400 poteaux d'acier inoxydable, plantés selon une grille rectangulaire de 1 mille de long sur 1 km de large. Mais c'est aussi une photographie connue de ce « champ d'éclairs ». L'œuvre photographique existe sur le long terme, tandis que l'œuvre originale de l'artiste n'existe que le temps de l'orage. Ouverte six mois par an, à la demande de l'artiste, l'installation ne peut être visitée qu'en réservant pour passer une nuit sur le site dans une cabane en rondins faite pour 6.
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Cinématon est un film expérimental français de Gérard Courant, dont le tournage a débuté le 7 février 1978 et qui est toujours en cours en 2020. Il est aujourd'hui composé de 3119 portraits filmés de personnalités du monde des arts et du spectacle qui, mis bout à bout, ont une durée totale de 208 heures. Tous les portraits sont filmés selon les mêmes règles: un Cinématon est un plan-séquence fixe muet de 3 minutes 20 secondes dans lequel chaque personne filmée est libre de faire ce qu'elle veut.
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Claude Viallat libère la toile du châssis. "Le châssis c'est le crime", pourrait-il dire Claude. Sa carrière d'artiste commence vraiment en 1966, quand il adopte sa posture d'artiste contemporain, choisissant de libérer la toile du châssis et de décliner son gimmick, qui est à la fois une forme abstraite et un procédé de pochoir. A l'époque de Supports/Surfaces, il cherchait surtout à renoncer à la peinture en tant que représentation pour ne montrer que sa seule réalité matérielle.
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Hans hartung est un artiste francais du 20eme siècle. C'est un peintre , un photographe et un architecte d'origine allemande. C'est l'un des plus grands représentants de l'art abstrait . Il travaille souvent avec des outils et des supports inhabituels. De plus ses oeuvres sont très variées. Il crée "La fabrique des gestes" où il y a 400 peintures, photos et dessins, dont fait partie ce tableau exposé au musée des arts modernes à Paris.
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Oldenburg reproduit des objets du quotidien en versions monumentales. Cette stratégie a pour effet de théâtraliser l’espace du spectateur en bouleversant la perception de l’échelle et de la matière d’objets artistiques. La prise de possession de l’espace public modifie profondément la perception de la sculpture. Leur mise en scène lui permet de s'amuser avec leur équilibre précaire et donc leur déséquilibre. L'environnement devient le socle lui-même (fondations et structures solides masquées).
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Didier Vermeiren s’est intéressé au socle au point de le transformer en sculpture autonome. Par la même occasion, il parlait d’une absence, celle de la sculpture traditionnelle, y compris la statuaire.Dans les œuvres qui ont fait sa renommée au début des années 80, Vermeiren s’est penché sur le rôle du socle. Jamais Didier Vermeiren n’a fait strictement du socle une sculpture. Sculpture de socle, mais que signifie cette ambiguïté ? Est-ce une affaire de sosie ?
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L'artificiel encadrant le naturel. L'oeuvre est restée en place pendant 2 semaines. Elle consistait à encercler 11 îles de la baie de Biscayne à Miami par une matière plastique rose fuchsia, le tout dispersé sur 11 km. Chacune de ces ceintures suit le contour d'une île et s'étend sur l'eau en flottant dans la baie jusqu'à 200 pieds (61 m).
Les ceintures de polypropylène s'étendent également sur la terre ferme, recouvrant les plages afin de donner l'impression de disparaitre sous la végétation. -
À demi camouflés l’été dans l’épaisseur végétale, ces figures sont d’autant plus difficiles à apercevoir qu’elles font corps avec la nature. Leur épiderme étant végétal, de fait, ces sculptures épousent les couleurs du lieu environnant par mimétisme. Il s’agit là d’une véritable découverte, une prouesse d’esthétisme et de sophistication naturelle à laquelle le spectateur est convié. Leur intégration entre les branches et feuilles fait de l’espace végétal un espace plastique et poétique.
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Dès leur collaboration, les deux artistes vont s’amuser à présenter des objets banals dans des situations insolites voire étranges. La série de photos «Equilibres (A Quiet Afternoon)» traduit cela de 1984 à 1986. En empilant des objets improbables (bouteilles, carottes, courges, assiettes) d’une manière à défier la gravité et en les photographiant avant qu’ils ne s’effondrent, Peter Fischli et David Weiss s’en prennent avec une ironie décapante au genre de la nature morte, au statut du socle...
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Les ombres de pluie évoquent l’impact qu’ont les êtres vivants sur le monde. Considérons les comme une métaphore de celui que nous avons sur notre environnement durant notre existence et la façon dont notre empreinte s’efface après notre disparition. "J’ai parfois laissé la mienne avant de me relever, et sous la pluie mon ombre a disparu ; et après la pluie, parce que l’endroit où j’étais étendu était légèrement plus sec que le reste du trottoir, elle réapparaît – mon ombre ressurgit du sol."
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Ici le socle fait partie de l'oeuvre. Sa sculpture évoque la société de consommation et notre tendance à amasser de l'argent ou à accumuler toute sorte d'objet.
Bertrand Lavier: « Je me suis rendu compte, que ce modèle de coffre-fort ancien était dessiné comme certains socles classiques [...] j’avais un socle sous les yeux. ». -
« Je me suis rendu compte que ce modèle de coffre-fort ancien était dessiné comme certains socles classiques : il y a une corniche supérieure et une corniche inférieure.» Le coffre-fort a été choisi comme socle approprié pour exposer le réfrigérateur Brandt et il est permis de s'attarder sur l'harmonie qui règne entre ces deux parallélépipèdes. Dans ce sens, "Brandt/Haffner" relèverait plus de la sculpture de Brancusi, qui soignait autant ses socles que ses pièces, que du readymade de Duchamp.
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Supports/Surfaces est un mouvement artistique fondateur de l'art contemporain français , en peinture et en sculpture. Dès 1966, le support traditionnel est remis en question : Buraglio récupère des morceaux de toile, cadres et châssis et des éléments de fenêtre qu’il assemble. À partir de 1974, Pierre Buraglio met en œuvre les «Châssis»et les «Cadres». Claude Viallat: « Dezeuze peignait des châssis sans toile, moi je peignais des toiles sans châssis et Saytour l'image du châssis sur la toile. »
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Cette oeuvre est une affiche de cinéma, l'une des premières de l'histoire du cinéma, voire même la première.
Une affiche de cinéma est utile pour faire la promotion du film, donner en quelque sorte un aperçu du film, une première idée afin d'attirer le spectateur. Le film est donc mis en valeur, pas seulement avec l'image utilisée mais aussi avec sa taille imposante.
Ici, le film illustré est "L'arroseur arrosé" de Louis Lumière qui l'a réalisé en 1895. -
David Hockney est né en 1937 à Bradford au Royaume-Uni, il étudia au Royal College of Art. C'est un peintre, photographe... Figure majeure du mouvement pop art des années 1960 et de l'hyperréalisme. En 1976, il réalise des photomontages constitués de polaroïds qui font référence à la période cubiste de Picasso. Le résultat qu'il trouve est la présence d'un mouvement et rend l'image narrative. Le regard du spectateur immobile anime l’oeuvre qui prend vie.
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Tim Noble et Sue Webster sont d'origine britannique. Ils se sont rencontrer à l'université des Beaux Arts. A travers leurs œuvres, ils vont dénoncer un message politique en utilisant des objets sélectionner avec précaution. Ils vont organiser les déchets de sorte à ce qu'il forme la silhouette d'une femme et/ou d'un homme. Cette silhouette est projeter sur un mur a l'aide d'une source de lumiére chaude.
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Andy Goldworthy est un artiste britannique spécialisé dans le Land Art. C'est un mouvement artistique qui consiste à travailler avec des éléments naturels. Ses idées fondamentales sont le changement, la croissance, la transformation.
Cette oeuvre est faite de feuilles qui ne sont pas solides, de differentes couleurs, on a un dégradé qui va du magenta au jaune. On peut voir une sorte de trou noir au centre de l'oeuvre, ce qui rend mal à l'aise Andy. La creation se trouve dans le Yorkshire . -
Les deux Zurichois maîtrisent l'approche de l’équilibre, forcément précaire. Dans leur vidéo «The Way Things Go», ils créent une réaction en chaîne sous la forme d’un domino dans un entrepôt vide au moyen d’objets aussi hétéroclites que des ballons, échelles, pneus, feux d’artifice. C’est l’illusion du mouvement perpétuel maintenu sans la moindre intervention humaine. La scène a été tournée sur une période de deux ans et résulte d’un montage élaboré de multiples séquences.
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"Dans l’entrelacs des rues, mes images interrogent ces mythes, elles tracent des parcours qui se croisent, se superposent ; elles traitent de nos origines, de la femme, des rites de mort que sécrète cette ville coincée entre le Vésuve et les terres en ébullition de la Solfatare sous laquelle Virgile, déjà, situait les Enfers ; elles convoquent Caravage, parlent des cultes païennes et chrétiens que porte aux ténèbres cette cité ensoleillée. C’est une quête au long cours, qui a duré des années."
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L'artiste colle ses dessins éphémères, sur ses supports fragiles, le plus souvent la nuit du vendredi saint (ses interventions se déroulent de nuit pour permettre la découverte de l'œuvre le lendemain), sans que les Napolitains ne sachent pendant longtemps qui en est l'auteur. S'il n'est plus possible de découvrir ces œuvres in situ, les photographies existantes témoignent de leur singulière force expressive et de leur remarquable articulation avec le lieu où elles s'impriment.
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Jean Vérame utilise une peinture spéciale faite pour résister au soleil brûlant. Le bleu artificiel de l’œuvre rejoint le bleu naturel du ciel, vers lequel s’élèvent les masses rocheuses. D’autres plus petites roches, de la même couleur, sont disposées sur le sol pour former un labyrinthe. La régularité avec laquelle ont été placés les pierres contraste avec le relief escarpé qui les entoure. Les quelques touches de blanc et de bleu tranchent radicalement avec les teintes pâles du désert.
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Les Guerrilla girls est un collectif de femmes artistes américaines fondé en 1985. Elles créent et diffusent des affiches dans le but de donner plus de visibilité aux femmes et aux personnes de couleurs. Elles agissent toujours avec des masques de gorilles (en effet guerilla et gorilla sont deux mots proches). Leurs actes et productions sont féministes. Cette affiche est une propagande sur la place donnée aux femmes dans les musées. Cela se fait sous forme de slogan, ce qui permet la réflexion.
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"Touching North" est une œuvre composée de 4 sculptures, réalisée par Andy Goldsworthy au Pôle Nord. L’artiste est parti en expédition dans le Fjord Grise au Nord du Canada durant un mois, où il a réalisé des œuvres éphémères avec de la glace et de la neige, au Pôle Nord durant trois jours. L’expédition fut suivie d’une exposition photographique. L'oeuvre "Touching North" contient quatre arches de neige rondes, chacune d'environ 3 mètres de haut, orientées dans quatre directions différentes.
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Bernard aubertin est un artiste du 20 siecle, il est mort en 2015. Ces projets tournaient essentiellement sur la question du feu, de la combustion et de la couleur rouge. Pour ça, il utilisait dans presque toutes ses oeuvres des allumettes qu’il brûlait.
https://www.abc-arte.com/en/artists/71-bernard-aubertin/video/
( lien d’une video dans laquelle on peut voir une exposition de plusieurs de ses œuvres ). -
L'environnement comporte 4 parties: la roue, sa jante, et ses rayons; la pédale; la selle, à moitié enfouie dans le sol; le guidon, avec une sonnette. Chacun de ces éléments est sculpté et peint de façon à ressembler à son équivalent de taille normale, mais agrandi à une échelle gigantesque. Seule une partie de chacun est figurée, donnant l'impression qu'une bicyclette est ensevelie dans le sol. Contraste de taille, de couleur avec le parc où au niveau du sens ce vélo pour enfant s'intègre bien.
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Dimensions : 20*79*59,5 cm
C'est une maquette pour une sculpture d'extérieur, elle est en plâtre, résine, peinture et fibre synthétique.
L'oeuvre représente une tente située sur un terrain garni d'herbe et de mousse. Cette oeuvre est à l'échelle réduite. La tente ne renvoie pas tout à fait au simple abri nomade comme son titre semble supposer. Elle renvoie également à l'univers de l'enfance qui habite l'oeuvre de Martin Honert. Une maquette de tente = inutile et abri = temporaire + mobile. -
Plongée dans une semi obscurité, l’atmosphère intime créée autour de l’œuvre favorise le recueillement. Des photographies floues d’enfants anonymes, éclairées par de petites lumières, sont disposées sur un mur de boîtes à biscuit en fer blanc dont certaines plus rouillées que d'autres témoignent de l’usure du temps. Cette installation émouvante évoque les victimes de la seconde guerre mondiale mais aussi la nostalgie qu’on peut éprouver en s’éloignant de l’enfance.
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Le roi incontestable de l’illusion d’optique. Il est originaire d’Ukraine, Oleg Shuplyak est un artiste connu dans le monde entier pour ses peintures qui cachent des illusions fascinantes. Depuis plusieurs années, cet artiste hors du commun s’amuse à camoufler des visages de personnes célèbres dans ses peintures de paysages, à l’image de Charles Darwin, Vincent Van Gogh ou encore William Shakespeare.
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Une pièce obscure dont le mur du fond est occupé par un écran. Seul un petit boîtier est nécessaire au visiteur. Une seule personne rentre à la fois dans la pièce. Dans cet environnement virtuel, le visiteur est un joystick vivant, une souris 3D, dont chaque déplacement dans l'espace est repéré, analysé et interprété par l'ordinateur. Le visage suit donc les évolutions du visiteur, modifie ses expressions se transforme et par instant, et en certains lieux du labyrinthe, retrouve une vie propre.
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Le festival des Jardins se présente comme étant un panorama étonnant de l’état de la création paysagère dans le monde. Les jardins présentés à chaque édition (une vingtaine) sont les lauréats du concours international organisé en amont par le Festival. En vingt saisons, ce sont près de cinq cents jardins qui ont été créés, prototypes des jardins de demain. Les matériaux naturels priment. La mise en scène dans un cadre naturel est de rigueur. Mais l'artifice et l'organisation humaine demeurent...
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C'est une installation qui ressemble à une chevelure, or c'est un rideau de pluie éclairé qui tombe sur le sol (le sol est le socle). Elle a été exposée à la Tate Modern et il a intitulé sa rétrospective "In real life". Cette oeuvre s’adresse à un large public. Il travail sur l'étude des perseptions dans cette oeuvre. Il s'amuse à constituer des jeux sur les propriétés des matériaux que l’artiste manie, entre geste artistique et prototype scientifique pour montrer le sublime.
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Jochen Gerz entreprend clandestinement, avec l’aide de ses étudiants de l’école des Beaux-Arts, de desceller progressivement les pavés de la place devant le château de Sarrebrück, ancien quartier général de la Gestapo. Sur chaque pavé, il inscrit le nom d’un cimetière juif d’Allemagne et le remet en place. Le nombre des cimetières juifs s'élevait à l'automne 1992 à 2146. Cela a donné le nom au mémorial. Cette œuvre in-situ n'était pas une commande , mais elle a par la suite été officialisée.
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Florent Aziosmanoff est un artiste français qui ne travaille que le support numérique. Il a fait de grandes choses dans sa carrière d'artiste et s’intéresse énormément à l'intelligence artificielle.
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L'oeuvre se compose de 9 toiles suspendues parallèlement les unes aux autres au plafond. Deux projecteurs à chaque extrémité de la rangée de canevas montrent des images d'un homme et d'une femme marchant l'un vers l'autre, se croisant au centre et s'éloignant. Cette action fantomatique devient hypnotique, se répétant encore et encore. Neuf toiles souples, cadres rectangulaires, évoquant plus 9 voiles transparents et fragiles que la solidité, associées à des projections quasi immatérielles...
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Nevercrew est composé de deux artistes: Christian Rebecchi et Pablo Togni qui ont débuté en 1996. Ils sont engagés sur l'environnement et le montre à travers le street art, avec d'immense oeuvres peintes contre des murs. On retrouve surtout des animaux avec des sacs plastiques ou encore du pétrole. Je vous laisse aller découvrir ces artistes car ils ont beaucoup d'oeuvres intéressantes !
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LAND ART, LES CAIRNS
Souvent créés pour baliser un sentier, les cairns sont bien connus des randonneurs. Sans donner une fausse piste aux marcheurs, vous pouvez apporter votre pierre à l’édifice ou créer un ensemble de cairns. Attention à l’équilibre. Comme dans le jeu du «Badaboum», il faut être habile pour que l’assemblage de cailloux ne s’effondre pas. Un art éphémère qui peut s'effondrer à tout moment comme dit ci-dessus et nomade en raison des cailloux qui peuvent bouger à diverses places. -
Nils Udo perpétue ici la tradition du cadre, objet destiné à mettre en valeur une oeuvre en 2 dimensions. Traditionnellement suspendu à la verticale, le voici transposé à plat, au sol. Il utilise les contrastes de matériaux, de couleurs, de formes, pour opposer ce cadre à son contenu: une surface quasi monochrome. Le tout ressortant parfaitement sur le hors-cadre, le contexte, l'environnement voisin. La nature seule ne peut mettre en scène ses propres éléments ainsi. Trace: tirage photo carré.
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Ses socles n’étaient pas assignés à supporter telle ou telle sculpture, mais intervertis selon les besoins. Brancusi les considère comme des œuvres. En 1926, il en expose 5, isolés, sans leur superposer de sculpture. Ses sculptures ont une dimension symbolique liée à l’animal ou à l’humain, les socles une dimension symbolique plus universelle, inspirée des rythmes et des formes de la nature. En même temps, aucune séparation n’apparaît et un même paramètre les réunit : la verticalité.
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C'est à la nature qu'il emprunte son matériau de base pour l'arranger de manière totalement inédite: un nid fait de troncs de bouleaux, de terre et de pierres; une maison d'eau en mer du Nord, construite avec des troncs d'épicéa, des brindilles de bouleaux.
Mêlant sculpture éphémère, installation précaire et grand format photographique, les œuvres de Nils-Udo sont produites dans et avec la nature. Les intempéries, la dégradation naturelle font partie intégrante de son processus créatif. -
Sculpture figurative installée sur un socle. Ses dimensions, supérieures à l’échelle humaine, interpellent. L’artiste joue sur des changements d’échelle surprenants, amplifiant l’écart entre l’original et sa reproduction. Le support permet au spectateur d'avoir un point de vue distant à l'oeuvre, sans toutefois être trop éloigné et ainsi voir les détails. Il fait vivre l'œuvre et lui donne du sens lorsque il se place près d'elle : sa taille accentue l'échelle sur-dimensionnée de la sculpture !
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Ce qui distingue Andy Goldsworthy des autres artistes du Land Art, c’est l’affinité particulière avec la nature. Il dit qu’il sent la même énergie qui coule en lui et en chaque élément naturel. Il est conduit par un désir de comprendre la nature dans sa croissance et dans son déclin. Les idées fondamentales de sa démarche sont la croissance, le changement, la transformation et la temporalité. Il sort de la condition de l’homme pour comprendre la condition de la nature elle-même.
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Tim Noble et Sue Webster sont des artistes britanniques qui travaillent et vivent ensemble. Ils se sont rencontrés en 1986 alors qu'ils étudiaient les beaux-arts à l'Université de Nottingham Trent. Ils réalisent des "sculptures-ombres" dans lesquelles ils utilisent des déchets qui sont ensuite éclairés afin de créer des portraits. Les jeux d'ombre et de lumière créés élèvent la matière première utilisée au rang d'objet d'art !
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Le body painting est l’art de peindre sur le corps humain entièrement, ou une partie seulement, dans le but de le transformer en véritable oeuvre d’art.
Guido Daniele est un artiste originaire de Milan, en Italie, qui pratique le body-painting. Très doué dans son domaine, l’artiste a son propre univers et transforme des mains en animaux hyperréalistes : les “Handimals“.
Guido Daniele est très engagé dans les associations de défense des animaux (WWF, l’Institut Jane Goodall) -
L'exposition de Plankat Wand Kunst est composée de plusieurs artistes.. Ce sont des œuvres exposées dans la nature. Ces peintures sont exposées depuis le début des années 2000, dans des espaces publics allemands principalement. Aujourd'hui il existe encore quatre expositions à Karlsruhe, Oberkirch, Kehl. Les œuvres sont composées de morceaux de bois, de contreplaqué, de branches...
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Pour son 1er film en tant que réalisateur, Ed Harris retrace la vie de l'artiste Jackson Pollock, connu pour ses peintures abstraites.
Les moments clés du film sont ceux où l'acteur-réalisateur oeuvre à la façon du vrai Pollock. Il ne nie pas immédiatement le hasard, il semble maîtriser les giclures de ses drippings: « Avec l’expérience il me semble possible de contrôler la coulée de peinture, je n’utilise pas l’accident, parce que je nie l’accident.»
Hasard ? Accident ? Maîtrise des gestes ? -
Les œuvres de Philippe Ramette plongent le spectateur dans un délicieux trouble de la perception. Ce dernier tournera la tête dans un sens, puis dans l’autre, avant de témoigner de la puissance poétique de ces images, capables de mettre à bas les théories de Copernic ou de Galilée. Non sans humour, l’artiste en costard-cravate déjoue les lignes d’horizons et la gravité avec élégance, comme si de rien était, et nous invite à modifier notre point de vue sur les lois qui nous maintiennent au sol.
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Un beau film documentaire sur l'artiste sculpteur Andy Goldsworthy, qui consacre son oeuvre depuis 25 ans à travailler dans la nature où il puise ses matériaux. Nous suivons ce land artist et l'accompagnons dans ses créations. La captation vidéo, parfois en temps réel, met bien en avant le caractère éphémère de son oeuvre, ainsi que la fragilité de certaines de ses réalisations, voire même les échecs de l'artiste... Quel meilleur support pour enregistrer une trace de ces créations extérieures ?
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Elle se constitue d’un couloir, formé de plaques qui se rétrécissent au fur et à mesure. Il y a des haut-parleurs qui diffusent des basses fréquences. Chaque personne est invitée à pénétrer dans l’espace et à y déambuler jusqu’à ce que la progression soit entravée par son étroitesse. Le visiteur ne contemple rien d’autre. L’objectif de cette dernière est de faire ressentir les vibrations sonores qui deviennent presque tactiles à l’écoute et au contact des fréquences utilisées.
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David Zinn est un artiste américain qui est devenue célèbre en 2001 grâce à ces dessins à la craie. Il arpente les rue de sa ville pour imaginer des scène à l'aide d'éléments naturelle qu'il met en valeurs. Il utilise également du fusain, ses dessins représente des scénettes poétique et féerique. Cet artiste est un costumier et un scénographe qui habite à New York.
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Transposition molle et hors d'échelle d'un violon. Réplique souple d'un objet utilitaire du quotidien. Avec ses sculptures représentant des objets de consommation quotidiens courants, Oldenburg les "magnifie" par leur gigantisme. Ou alors il les critique comme objets de consommation, notamment en changeant leur "tenue": en rendant des objets rigides mous. Exposer ces objets mous implique souvent comme ici un changement de leur position dans l'espace. Ce violon mou pend, suspendu à un crochet.
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Fong Qi Wei est un artiste qui travail en série sur la question des fleurs et de leurs "anatomies". Il sépare tous les composants pour les organiser de sorte à garder une trace photographique attirante de son travail. Il appelle son travail "Exploded flowers". Cet artiste photographe vis à Singapour. Son travail également a été photographié à Singapour, nous avons très peu d'informations concernant cet artiste sur l'internet. Ce travail a été réalisé entre 2002 et 2003.
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Artiste performer, le suisse Franck Bouroullec est connu pour ses "speed paintings" parfois réalisées non seulement en direct, mais aussi à l'envers, avant d'être révélées au final à l'endroit au public...
Au lieu de peindre en secret dans son atelier, l'acte de peindre devient ici un véritable spectacle scénographié dédié à une expérience sensible à partager "live" avec le public ! -
Film documentaire du réalisateur Werner Herzog sur le bouddhisme tibétain. Le titre fait référence au rituel du mandala de sable Kalachakra qui fournit une image récurrente pour le film. L'achèvement est-il une fin en soi ? Le travail est détruit pour montrer que rien ne dure éternellement. Au final, les sables colorés sont jetés dans l'eau, le récipient les contenant est lavé pour éliminer toute trace qui pourrait subsister. La seule chose de valeur qui reste est l'expérience. A méditer...
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Desiree Palmen est une artiste surnommé "the invisible man" (l'homme invisible). Cette artiste aime travailler dans des lieux qui sont sous vidéo-surveillance. Cette femme est entre camouflage et trompe l’œil. Ces photos ne sont pas retouchées, tout le travail est fait au moment de la prise de la photo et elles sont directement imprimées. Il n'y a aucune mention précisant si elle fait des expositions.
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Dans cet environnement pénétrable le temps semble suspendu. Suspendu comme nous retenons notre souffle en découvrant, semble-t-il après le crime, le cadavre de cette femme suspendu à des luminaires. Le temps lui-même est pris de court et flotte dans une aura d’indécision et de stupeur. Le visiteur arrive sur une scène de crime ! Fait divers: premiers constats, indices angoissants, couleurs violentes. Tout nous permet de devenir acteur dans ce macabre scénario que nous cherchons à reconstituer...
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Elinor Carucci est une artiste américaine d'origine israélienne. Lorsqu'elle a donné naissance à deux jumeaux en 2004, elle a commencé de prendre des photos de ses enfants dans leur quotidien. Ces photographies au cadre rapproché permet de découvrir la relation mère-enfant dans des situations les plus intimes et innocentes. Les contrastes de lumières sont maitrisés, et on entre dans une dimension charnelle, sensuelle et poétique lorsque l'on regarde les clichés.
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Une biennale est un événement qui a lieu tous les deux ans. Cette année là, la Biennale de Lyon regroupait des oeuvres d'artistes du monde entier, réunies autour d'un fil rouge: la question de la temporalité... Quoi de mieux qu'une exposition elle-même temporaire, que la monstration de quelques oeuvres éphémères pour réfléchir là-dessus ?!
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On y voit une volière géante où jouent - ou jouaient - 45 enfants, à la marelle, au toboggan, au poirier, aux billes, leurs petits cartables posés sur le sol, leurs tabliers à carreaux encore boutonnés. Enfants-mannequins faits de chiffons et de céréales, inanimés, mais comme vivants. Pas tous pourtant, car il ne reste de certains qu'un short, des baskets. Parce que l'enclos est également une volière peuplée de 150 pigeons, de vrais pigeons qui peu à peu picorent, dévorent les enfants-céréales.
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Installation: volière géante où jouent - ou jouaient - 45 enfants, à la marelle, au toboggan, au poirier, aux billes, leurs petits cartables posés sur le sol, leurs tabliers à carreaux encore boutonnés. Enfants-mannequins faits de chiffons et de céréales, inanimés, mais comme vivants. Pas tous pourtant, car il ne reste de certains qu'un short, des baskets. Parce que l'enclos est également une volière peuplée de 150 pigeons, de vrais pigeons qui peu à peu picorent, dévorent les enfants-céréales.
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Comment résister à l'envie de traverser le brouillard fluorescent de l’installation d’Ann Veronica Janssens ? Son oeuvre « Lee 121 », présentée de septembre 2005 à janvier 2006 à la Biennale de Lyon désoriente totalement le visiteur et l’oblige à prendre le temps de s’y retrouver. Le temps que nous y passons, notre propre parcours à l'intérieur, notre relation à cet espace font partie intégrante de l'oeuvre, nous sollicitant et nous invitant à nous déplacer sans repères dans cet environnement.
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Environnement: dispositif immersif nécessitant la participation active du spectateur.
« Le visage qui me regarde m’affirme. »
Emmanuel Lévinas – Essai sur le penser-à-l’autre.
"Oscar" permet de revisiter le portrait de chevalet à travers une rencontre en temps réel avec un personnage virtuel doté d’intelligence artificielle.
Chaque rencontre est différente et les humeurs d’Oscar varient souvent ; nous ne recherchons pas la virtuosité technologique mais l’émotion qu’Oscar éveille en nous. -
L'artiste américain revisite les codes de l'art. Il sort des musées des oeuvres classiques, que les enfants n'ont peut-être encore jamais vues pour les réinventer en LEGO. On pense notamment au "Cri" d'Edvard Munch, à "La Joconde" de Léonard de Vinci, à "American Gothic" de Grant Wood, au "David" de Michel-Ange ou aux "Epoux Arnolfini" de Jan van Eyck. Son ambition est aussi de sortir les LEGO des magasins de jouets pour les faire entrer dans le monde de l'art contemporain.
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Le time lapse est une technique photo qui permet de réaliser une vidéo en accélérée avec un appareil photo en prenant une grande quantité d’images prises à intervalles réguliers.
Il en existe deux versions rendant compte de tout le travail de Ron Mueck et de ses assistants pour la conception de l'oeuvre "A Girl".
A l'occasion de son exposition dans ses murs en 2007, le CACMalaga a eu la très bonne idée de réunir les deux dans un dvd... -
Akousmaflore est un jardin composé de vraies plantes musicales réactives à nos frôlements. Chaque plante s’éveille au moindre contact humain par un langage, un caractère sonore. Sensibles à notre énergie électrostatique, les plantes réagissent au toucher et à notre proximité. Ainsi, lorsque les spectateurs les caressent ou les effleurent, celles-ci se mettent à chanter. Elles sont disposées au plafond avec des suspensions pour qu'elles pendent sur les visiteurs. (pas de dimensions)
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Martin Creed est un artiste contemporain conceptuel anglais qui dans son oeuvre intitulé : "Work No. 628" en 2007 utilise le ballon comme sujet dans son oeuvre. On peut y voir un musée d'art remplie de ballon bleu foncé. Son site internet ici
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En français, "Une nation sous vidéo surveillance" est située à gauche d'une caméra de surveillance. En octobre 2008, la ville de Londres annonce que le mur doit être repeint afin de masquer ce graffiti. Ce fut chose faite en mars 2009. Ici, Banksy fait la critique d’une société filmée en permanence et il réclame une plus grande liberté individuelle. Il se moque aussi de la police (en bas à gauche) qui a recours à la vidéo surveillance.
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Esther Ferrer est une plasticienne et performeuse, elle privilégie la pratique de l'action. Elle utilise le cadre pour nombreuses de ses oeuvres. Sontravail peut être considéré comme un minimalisme très particulier qui intègre la rigueur, l'humour, le détournement et l'absurde.
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Bansky est un artiste Britannique né en 1974. Il est connu grace au Street art qui est son domaine principal, mais pas seulement. Chacun de ses travaux renvoi un message percutant.
Les glaneuses ont été peintes par Jean Francois Millet. Banksy a décidé de les revisiter. Il détourne donc cette peinture: une des 3 glaneuses est sortie du tableau, transgresse le support. La glaneuse est de couleur noire, il dénonce les conditions de vie des personnes noires. -
Katerina Kamprani détourne avec humour nos objets du quotidien et les transforme en curiosités artistiques complètement loufoques. Créer des objets « inconfortables » peut laisser perplexe, mais d’après l’artiste, c’est un rituel d’analyse fine qui demande un travail de préparation plutôt conséquent. L’idée de transformer des objets du quotidien a germée dans l’esprit Katerina Kamprani; petit à petit elle les a réunis dans une collection qui porte bien son nom, "The Uncomfortable".
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Peter Callesen est un artiste danois, véritable maître dans l'art du papier. Ce dernier crée des oeuvres originales en mêlant scupture et dessin. L'artiste utilise ici de simples feuilles de papier A4, qu'il découpe ensuite avec une minutie incroyable pour donner vie à des compositions étonnantes et pleines de poésie. A l'aide de son couteau, Peter Callesen dépasse ici le simple format physique du papier, et crée un jeu entre le vide et la silhouette découpée en passant de 2 à 3 dimensions.
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Theo Jansen est un artiste sculpteur néerlandais du courant de l'art cinétique, qui se base sur l'art du mouvement que ce soit à travers des œuvres mobiles ou parfois des illusions optiques. Ses œuvres sont notamment caractérisées par des sortes de myriapodes (mille-pattes) géants réalisés en recyclant des tubes en plastique (gaines électriques en PVC), des bouteilles (vides) et des films plastique, se mouvant grâce à la force du vent.
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Artūras Tamasauaskas, originaire de Lituanie, fabrique des sculptures steampunk à partir d'objets de récupération ou de différents matériaux comme du cuivre, du laiton, du bois ou du cuir. Pour lui c'est une bonne chose de pouvoir aider quelque chose d'inutile et jetable à se transformer, de donner une opportunité d'exister sous une nouvelle forme. Il a un site où se regroupe tout son travail ici
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David Mishkin a étudié les beaux-arts dans son état de naissance, à New York. Sa passion artistique s'est d'abord exprimée dans les dessins, les monotypes, les sculptures et l'art abstrait. De retour en France en 2001, il commença à créer avec des bouchons en liège (CORK ART): il réalise des montages, ou des sculptures tenant debout sans structures, et des collages.
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C'est une artiste américaine née a Washington. Elle fait du bodypainting et avec ses figurants elle crée des espaces 3D qui paraissent bidimensionnels. "Natura morte" est l'une de ses 1ères installations: elle a peint sa sœur. Son envie est de reproduire les différentes ombres qui se trouvent sur un tableau dans la vie réelle, d'apposer ces couleurs pour expérimenter les relations spatiales avec le spectateur. « votre corps est ma toile », ses personnages se cachent dans le décor de la toile 3D.
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Wim Delvoye est un artiste plasticien belge,
Il s'est fait connaître pour son installation Cloaca.
Dans la suite de son travail il utilise également des métaux et des technologies modernes, de l'acier ou même des bennes à ordures entières et les transforme en coquillages précieux et dentelés. Il melange traditions et art contemporains. Sur Laser cut steel on observe des motifs de cathédrale dans l'arrondi du coquillage en fer. Son œuvre est presentée avec un socle qui fait parti la sculpture. -
Ce sont deux russes, dont l'une qui maquille des modèles afin de créer des illusions d'optiques et l'autre qui photographie ces modèles afin de mettre en avant leurs maquillages.
La maquilleuse joue sur les lignes naturelles des visages de ses modèles.
La photo n'est qu'un exemple, je vous invite à aller voir leurs travaux.. -
C'est un artiste Japonais qui a débuté en 2010. Il est sculpteur de bananes ! Ses oeuvres n'ont pas de titre à ma connaissance. Il est assez connu sur les réseaux sociaux.
Avant de manger sa banane, il va la sculpter avec un curdent. Celle-ci, au bout de 30 min va noircir, alors il a juste le temps de la prendre en photo et de la poster sur ses réseaux sociaux, avant de la manger -
Jennifer Marman et Daniel Borins sont des artistes canadiens nés en 1965 et 1974. Ils réalisent sculptures, installations et travaux multimédia.
"Google" est une installation composée de deux yeux fixés sur un mur. Des caméras sont installées dans ces yeux et surveillent les personnes qui passent. Les deux artistes ont voulu parler de la technologie et de la vidéo-surveillance que l’on retrouve au quotidien. On a l’impression que les yeux nous regardent de ce fait ils attirent l’attention. -
Irina Werning est une photographe née en Argentine.
En 2010 elle décide de commencer un nouveau projet qui consiste à récupérer d’anciens clichés d’enfants et de les reproduire à l’identique quelques années plus tard en faisant poser bien sûr le même modèle. Près de 300 personnes ont posé pour l’artiste en reproduisant la pose prise des années plus tôt. Ces photos sont disposées côte à côte de manière à ce que l’on comprenne que le temps est passé sur les visages des personnes photographiées. -
Ils sont célèbres pour leurs "sculptures-ombres" dans lesquelles ils utilisent des objets mis au rebut, des déchets qui sont ensuite éclairés afin de créer par exemple leur autoportrait. Les jeux d'ombre et de lumière créés élevant la matière première utilisée au rang d'objet d'art !
Ils sont partis d’une idée simple: utiliser des déchets produits par l’homme pour réaliser des sculptures à messages. Ce n’est que leur ombre, projetée sur un mur blanc et selon un certain angle, qui révèle tout. -
"Salut c'est cool" est un groupe de musicien composé des membres : James Darle, Louis Donnot, Martin Gugger et Vadim Pigounides. Ils sont connus pour leur absurdité et leur ridicule dans leurs musiques et leurs clips. Depuis 2010 ils sont actifs. Ils ont participé à plusieurs festivals et ont aussi eu droit à des expositions. Ils qualifient leurs musiques de «techno variété / Cyber troubadour». Leurs titres les plus célèbres sont : Techno toujours pareil, Des fleurs et Des formes et des couleurs
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Totem, sculpture épurée, jouet monumental à forte connotation érotique flottant entre ciel et terre, dans l’espace de la galerie, semblable à une icône ou une divinité. Nous restons fascinés par cette bombe gigantesque, qui semble flotter en apesanteur, affichant fièrement sa couleur: Chanel 217. Son socle en plexiglas, totalement transparent, lui permet de rester "suspendue" au-dessus de son très classique socle en bois, resté plus bas, au sol. Contraste de couleurs, matériel Vs immatériel...
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L'ensemble du rez-de-chaussée du Musée d'Art Contemporain occupé par une seule œuvre, qui inonde et vide simultanément l'espace d'exposition. L'œuvre "Work No. 247 Half the air in a given space (2000)" consiste à matérialiser la moitié de l'air contenu dans un espace à l'aide de ballons et, ce faisant, à modifier complètement la perception du lieu. L'idée est aussi de solliciter le visiteur dans un environnement plus qu'immersif ! Exposition temporaire du 6 mai au 2 octobre 2011.
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Il est originaire de Buenos Aires. Avec des vitres apposées les unes contres les autres il créé des nuages peints avec de l'acrylique sur le verre. Avec ces superpositions il joue avec le sens visuel du spectateur, les nuages semblent vrais, réels, par cette accumulation de vitres mais ça n'est qu'une illusion. Il joue sur la représentation d'éléments naturels instables et éphémères, en laissant une trace de ceux ci avec un support dur qui reste dans le temps et de la peinture.
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Le socle est une superbe boîte à musique géante aux lignes arrondies, hors d'échelle, beaucoup plus grande que dans la réalité ! Mickey et Minnie rassemblés sur ce superbe socle clean et brillant pivotant sur lui-même sont magnifiques. Tout est ton sur ton, blanc, couleur symbolisant la paix, la pureté... Seul petit hic: regardez-bien ce que nos deux personnages tiennent dans les mains... Aucun contraste de couleurs ou de matières, mais un contraste total lourd de sens, où on ne l'attendait pas.
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Josette Villeneuve est une femme qui en 2012 a peint sur des draps des escaliers. "Une particularité de cette construction bidimensionnelle définit à ces lieux une atmosphère trouble et étrange qui exclut toute présence humaine, une absence qui tend à provoquer chez celui qui balaie la surface du regard un désir de l’habiter, de s’y projeter mentalement pour monter et descendre les volées de marche", c'est ce que pense l'artiste.
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Benjamin Sack est un artiste connu pour ses dessins à la plume et à l'encre de paysages urbains imaginaires et complexes. Il représente sur ses des dessins des paysages urbains denses et détaillés, comprenant des bâtiments, des routes, des rivières. Ces villes à grande échelle prennent des mois pour être achevées. Certaines de ses œuvres ont été prises en photo a chaque étape de leur création, dont son œuvre Chronoglyph :http://www.youtube.com/watch?v=6bRENxmRb1g#action=share
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Pascal L est un artiste mosaïste, plasticien, sculpteur... Sa spécialité est de sculpter dans du bois flotté pour y insérer des morceaux de tesselles. C'est la technique du champlevé, elle consiste à retirer de la matière (bois) et à incruster une autre matière au choix.
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Keltz explore des immeubles abandonnés et capture des vues d’appartements décrépis et ravagés. Avec un style caractéristique, il contraste les ombres et sature les couleurs, affirmant la dimension picturale de ces sujets négligés. Nuit d’ivresse à été photographiée à Decazeville, dans un quartier voué à la démolition. Le choix d’un titre ironique illustre bien l’approche du photographe.
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Humanae est un projet universel en work in progress. En effet, elle prend en photo des personnes pour montrer que ce qui défini l'Homme c'est ca différence. Donc elle propose un largue panel de couleur de peau dont la couleur va l'aider à remplir le fond et à donner le titre de chaque photo. Son travail n'est toujours pas terminé. Elle ne choisi pas les personnes à photographier puisqu'elle prend tout le monde. Effectivement il faut se rendre au Brésil, dans son atelier pour être prit en photo.
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L'artiste hollandais est peintre et réalisateur où il à mit 2 an et demie pour produire cette oeuvre. C'est à la fois un work in progress et une timelapse où on le voit peindre des paysages et des personnes sur des toiles. Pour cette vidéo il a prit régulièrement des photographies de son travail pour en faire une vidéo en "accéléré". où il se met en scène, accompagné d'une musique classique ( plusieurs vidéos mais jamais la même musique. C'est un artiste avec peu d'information à son sujet.)
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Liu Colin est un artiste chinois de 40 ans.Il a voulu montrer la place de l’individu dans la société de consommation, noyé dans le rayon d’un supermarché. Il dénonce ici, le comportement des consommateurs, qui achètent des biens et services de manière compulsive.
C’est un artiste performer, activiste et contestataire, il est connu internationalement pour ses photographies de lui-même dissimulé dans ses paysages, ce qui lui vaut le surnom de « l'homme invisible ». -
La Fondation Cartier pour l'art contemporain invita le sculpteur australien Ron Mueck à présenter ses œuvres émouvantes et troublantes, marquant son grand retour institutionnel en Europe.
Exposition personnelle la plus complète et la plus actuelle de la production de l'artiste. Ces œuvres, révélées dans l'intimité de leur création à travers un film inédit, réaffirment toute la modernité d'un art à fleur de peau, aussi puissant qu'évocateur.
Ce making-of retrace la mise en place de l'exposition. -
Une véritable invitation à la méditation, couleur pure qui hypnotise. Nourri de culture orientale, Wolfgang Laib considère la création d’une œuvre d’art comme une cérémonie, un rite. Il récolte de ses propres mains et collecte depuis 1977 le pollen de noisetiers, qu’il conserve dans des bocaux. Chacun de ses tapis de pollen s’adapte au lieu de l’exposition. Au MoMA, il utilisa pas moins de 18 bocaux pour couvrir son champ d’une surface de 18 m sur 21. Son tapis naturel est encadré par le socle.
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Dans son exposition " gratte pellicule", l'artiste met en scène une série de photos argentiques gravées sur bois. Etant musicien en plus de son activité d'artiste, il mélange musique, lumière et technique d'estampe.
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Irina Werning est une photographe Argentine qui a lancé un projet appelé "Back to The Future", dans lequel elle prend une vieille photo d'enfance de quelqu'un et recrée la même scène avec la même personne plusieurs années plus tard. C'est très symbolique car cela montre l'évolution d'une famille, comme dans mon projet où j'ai recréé mes photos de famille, j'ai utilisé l'urne avec les cendres de mon ancien chien pour montrer cette évolution.
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EZK est un artiste français, qui fait du street art avec des pochoirs notamment dans les rue de Paris (je vous invite à allez voir ses autres oeuvres comme "Pas de Cartier" ou "Kalash Nike Off").
Ici on voit un enfant se laver dans un seau avec le logo de Louis Vuitton. Cette idée lui est venu après avoir vu un reportage montrant de pauvres enfant puis de riches personnes dans leurs jets privées. -
Adam Brown est un artiste du Missouri qui utilise de la "peinture à la cendre de défunts" pour faire les portraits de ceux-ci.
Plutôt que de conserver les cendres de la crémations des morts dans une urne, il propose aux familles de les utiliser comme matériau pour en faire des portraits, meilleur moyen de conserver un souvenir impérissable de la personne décédée. Adam vieille à ce que le tableau réalisé porte les couleurs préférées du défunt. -
9 séries, conceptuellement autonomes, sont présentées selon une structure modulaire, l’exposition devenant ainsi une “exposition d’expositions”. Un 10e projet, “Camouflages” – une série de portraits, inspirés des chefs-d’œuvre de la peinture, intégrant des éléments de la physionomie de l'artiste – qui donne son titre à l’exposition, est “camouflée” dans les différents espaces d'exposition. Il crée une réalité factice, voire fantaisiste, en la présentant sous une forme tout à fait crédible.
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Cet artiste travaille avec des bouchons en liège .
Il réalise diverses oeuvres notamment des visages de personnes, avec beaucoup de nuances de rosé, violet, rouge, blanc, beige, pour faire des dégradés ou dessiner les détails d'un visage. http://www.scottjamesgundersen.com/cork -
Les deux artistes brésiliens contemporain Janiana Mello et Daniel Landini utilisent des cordes dont ils défont les tresses pour créer des ramifications qui forment les branches et les rameaux d’arbres une fois suspendues au mur.
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Le travail de Virginie Plauchut autour du harcèlement et de ses conséquences vise à dénoncer les violences subies par un enfant. Le jeune garçon présent sur cette photographie met en image l'impression de devenir une boule de papier avec lequel il est harcelé.
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Silvère Jarrosson, né le 25 mars 1993 à Paris, est un peintre français. Il vit et travaille à Paris. Inspiré par l'abstraction lyrique américaine de la seconde moitiée du XXᵉ siècle, son travail abstrait intègre aussi des doutes plus générationnels sur les questions environnementales et technologiques. Description oeuvre :
Issue d’une froide évolution visqueuse, cette série questionne notre place dans un large cosmos où l’éternel côtoie l’instantané... -
"Anonyme" est un artiste âgé de 38 ans et originaire des Hauts de France. Il s'est lancé un défi: recouvrir un ancien bunker de miroirs provenant de déchetteries du même lieu.
Le projet a démarré en Mars 2014 pour se finir en Janvier 2015, il n'était pas seul, quelques étudiants l'ont aidé. Ces 350 m2 sont recouverts par des fragments de miroirs. -
Martijn Hage, né en 1964 à Rotterdam, est un artiste néerlandais qui a étudié en Design Graphique à l'Académie des arts de Minerva à Groningen où il a été diplômé en 1989. Cet artiste utilise l'impression 3D pour pouvoir créer ces œuvres, il trouve son inspiration dans la nature, l’archéologie et la mythologie en y mêlant matières organiques & mécaniques. La technique qu'il utilise pour ses impressions 3D est appelé 2.5D Printing ce qui permet de donner du relief à des illustrations 2D
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L’artiste japonaise Chie Hitotsuyama fait des merveilles à partir de simples bandes de papier journal. Les morceaux de papier sont humidifiés, roulés et assemblés avec une extrême précision pour donner forme à de grands animaux plus vrais que nature.
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Dimensions : Cette fresque en poussière d'argile intitulée Le Grand Verre de terre s'étale sur 190 mètres de long et 6 mètres de haut. Cette monumentale fresque de terre et de lumière a été créée in situ sur toute la hauteur des vitres de l'allée BnF , sur un film transparent posé sur les vitres. Miquel Barcelo a déposé une fine couche d'agile avant d'y dessiner en grattant la valise séchée. Le film sera retiré à la fin de l'exposition. Il y a beaucoup de détails faut imaginer !!!
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Philippe Baudelocque est un artiste français, il est connu dans le domaine du street art. Il a commencé le street art à l’adolescence, il trouvait que l'art ouvrait l'esprit. Il dessine majoritairement sur des murs noirs avec des craies blanches, il représente souvent des créatures qui n'existent pas, pour lui cela développe l'imagination. Ces œuvres sont toutes dessinées dans les rues de Paris.
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Connu sous le nom de Crisco Art sur Instagram, Cristoforo Scorpiniti est un artiste qui joue avec la lumière et l'obscurité en alliant de la peinture phosphorescente à de la peinture classique. Ainsi, il crée des paysages à doubles penchants, jouant sur le coté éphémère du paysage visible de nuit. Le tableau est visible de jour mais aussi dans l'obscurité, mais les motifs seront visibles que durant un cours temps, avant de pâlir et de disparaitre. Ici l'éphémère et la trace sont questionnées.
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Sam Skinner est une jeune artiste qui à 24 ans a décidé de se lancer un petit défi. Afin d'augmenter ses compétences en dessin, la jeune femme prend le pari de parvenir à se dessiner dans 50 styles différents. La partie la plus difficile fut de choisir les personnages qui allaient être recréés. D'une liste de 100 personnages, Sam a dû trancher pour n'en garder que la moitié. Les oeuvres les plus compliquées à réaliser furent celles de Tim Burton, Gorilazz et Archer. Un an de travail au total !
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Kevin McShane est un dessinateur de cartoons qui a décidé de rendre hommage à ses prédécesseurs. Il a souhaité se dessiner 100 fois, dans 100 styles différents, retraçant le style bien particulier des artistes de dessins animés, séries et bandes-dessinées. Impossible de ne pas retrouver l'oeuvre d'originale une fois le portrait sous le nez. À moins, bien sur, que vous ne connaissiez pas la dite oeuvre...
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Son travail artistique est animé par une recherche concernant nos origines, à travers les premières traces artistiques que nous ont laissées nos ancêtres. Cette recherche l’a amené à visiter la plupart des grottes ornées d’Europe et à réaliser un journal de voyage, de dessins, croquis et notes. C'est grâce à ses voyages qu'elle à découvert cet univers des lanternes en Asie. Elle aime recréer ces formes d'arts anciens qui se sont perdus avec le temps.
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Maryam Ashkanian né en 1988 en Iran. Elle s'est inspirée des rêves et du sommeil pour réaliser la série "Sleep Series". Cette collection d’oreillers représente des personnes endormies brodées à même le support. Elle a un site internet qui répertorie toute ces œuvres ici
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Romuald Hazoumè est un artiste originaire de Yoruba. Dans ses oeuvre réalise à partir de matériaux de récupération, il assemble des matériaux, qu'il utilise tels quels ou qu'il déforme, pour représenter sa vision de la société, Ainsi que des problèmes planétaires.
Dans cette oeuvre il utilise des objets en verre qu’il recycle en insérant du pétrole pour s’exprimer sur un sujet écologique. -
Balo est un jeune graphiste de 25 ans qui le 14 février 2017 à décidé de créer sa chaîne YouTube. On y découvre des tutoriels sur Photoshop ou Illustrator, certaines astuces et aussi de la création de logo pour de vrai marque ou de personnage fictifs (dont il en fait une série on a comme exemple le logo pour Walter White de Breaking Bad). C'est un vidéaste que je conseille pour s'améliorer sur Illustrator car dès qu'il crée un logo il nous donne des conseils pour arriver à le faire nous aussi.
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Reproduire en maquette le quartier de Manhattan est déjà un travail monumental, mais le faire avec des pièces électroniques et autres circuits imprimés est un challenge que seul Zayd Menk a relevé: grâce à 263 bâtons de colle chaude, 11 processeurs, 27 cartes mères et 10 cartes mères de moniteur, 15 batteries, 13 lecteurs de disquettes, 4 montres, 4 cartes audio, 3 disques durs, 3 cartes graphiques et 2 horloges.Voici tous les composants utilisés pour construire cette incroyable ville...
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Une œuvre du mystérieux artiste Banksy s'est "auto-détruite" au moment de la vente aux enchères, juste après son acquisition par une collectionneuse, séduite par ce chef d'oeuvre ! Cette oeuvre est nomade car transportée par la collectionneuse mais aussi éphémère dans le cadre de son auto-destruction. Banksy n'a pas détruit une oeuvre lors de la vente aux enchères, il en a créé une !! La célèbre toile Girl with Balloon a donc été rebaptisée Love is in the Bin (L'amour est dans la poubelle).
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C'est une artiste contemporaine suisse, née le 24 juin 1961 à Genève. Elle est connue pour ses installations d'objets qui investissent dans la société une forte valeur esthétique et sentimentale. Les couleurs de ses œuvres évoquent la couleur du maquillage (couleurs vives). Dans son projet « Palettes of Shadows » elle met en avant des palettes de maquillage surdimentionnées. (Vidéo qui montre rapidement son exposition): https://www.youtube.com/watch?v=Pt6NfgswyvY
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Cette peinture est une représentation narrative du langage du corps, lié aux états d'âme de tout personne. Le Rouge pour l'amour, et le Noir pour le secret.. Abandon, car après l'attente du jour, la nuit aussi a succédé, sans que l'être aimé soit venu, sentiment d'abandon, fatiguée elle s'est endormie. Ce tableau est réalisé à base d'huile bio sur toile noire. Ce tableau fait partie d'une série de tableau: "Série Noire Rouge Passion"
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Michael Moccia est un artiste Italien contemporain de 22 ans qui utilise comme support des tickets de caisse pour reprendre des œuvres connues de tous. Ici, nous reconnaissons le buste de la Vénus du tableau "La naissance de la Vénus" de Botticelli. Cet artiste n'est pas très connu, nous pouvons voir ses œuvres sur son compte instagram @maicolle.art ou sa page facebook Michael Moccia.
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Sammy Ladjouzi est un styliste originaire de Bourgogne. Pour l'élection de Miss France 2020, le jeune créateur a produit deux costumes régionaux (Miss Provence & Miss Bourgogne).
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Audrey Granjeaud est une artiste peintre française née en 1992.
Ses œuvres contemporaines sont essentiellement abstraites et souvent géométriques. Plusieurs de ses tableaux sont exposés en galerie sur Bordeaux. Cette peinture est une acrylique sur toile (30x40cm) -
Autour de sa propre collection de 5 tableaux, la plus importante au monde – la Joconde restera toutefois exposée dans le parcours des collections permanentes – et de ses 22 dessins, le Louvre propose près de 140 oeuvres (peintures, dessins, manuscrits, sculptures, objets d’art) issues des plus prestigieuses institutions européennes et américaines. Affiches, teasers, réseaux sociaux, site officiel, spots TV, entrées gratuites, tout les moyens sont bons pour communiquer autour d'un tel évènement.
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Chaque grande exposition nationale, voire internationale propose toutes sortes de produits dérivés. Le grand classique est le volumineux catalogue d'exposition richement illustré. Celui-ci revient sur 10 années de travail, ayant vu l'examen scientifique des tableaux du Louvre et la restauration de 3 d’entre eux, permettant de mieux comprendre la pratique artistique et la technique de l'artiste. L’exposition clarifie également la biographie de Léonard en reprenant tous les documents d’archives.
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Cette œuvre de plusieurs mètres de long, dévoile un univers singulier et intimiste, une mise en abyme à la lisière entre réalisme et rêverie. La virtuosité d'Eva Jospin trouve ici son expression la plus monumentale et la plus remarquable, explorant les profondeurs plastiques et métaphoriques du carton, son matériau de prédilection. Comme par magie, elle le transforme en un lieu de voyage initiatique, par juxtaposition et superposition de multiples strates, sculptées, taillées, façonnées.
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Grand maître incontesté actuel de l'illustration et de la BD aéronautique, Romain Hugault associe des réalisations d'un incroyable réalisme, richement documentées, à de la narration prenant systématiquement place dans un contexte historique ayant existé. Avec lui, aucune place n'est laissée au hasard, à l'à peu près. Tout est maîtrisé à la perfection. Après un crayonné et un encrage classiques sur papier, puis numérisation, la mise en couleurs de ses images se fait exclusivement avec Photoshop !
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Les collections permanentes restent toujours visibles. Assez généralistes, parfois propices à la vulgarisation, certaines sont destinées à un public familial. Ainsi notre musée Niépce local propose des visites commentées en famille, des visites adaptée aux enfants de 6 à 12 ans: un parcours convivial et en famille au cœur des collections permanentes agrémenté de démonstrations et jeux d’observation à destination des plus jeunes pour une meilleure compréhension de l’histoire de la photographie.
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Le Musée d'Orsay à Paris se distingue de certains autres musées en raison de ses murs parfois vivement colorés. En effet, les murs blancs traditionnels sont parfois délaissés pour revêtir des couleurs plus vives comme le rouge. Ici, les murs permettent de mettre en valeurs les ouvres exposées, tous simplement grâce aux contrastes de couleurs. De plus en plus de musée se tournent vers cette pratique, afin de sublimer les oeuvres et changer des fonds blancs empêchant les contrastes de valeurs.
