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Período de la música medieval aproximadamente del 1100 al 1300. Se caracteriza por los primeros desarrollos del polifonía (varias voces a la vez). Compositores como Léonin y Pérotin lo representan. Se usaban formas como el organum y el motete primitivo.
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Es la composición musical completa más antigua que se conserva hasta hoy, datada entre el siglo I a.C. y el siglo I d.C. Grabada en una columna funeraria griega, incluye notación musical y texto. Es una canción corta con mensaje filosófico: disfrutar la vida porque es breve.
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Canto litúrgico de la Iglesia católica, desarrollado entre los siglos IX y X. Monódico (una sola línea melódica), sin acompañamiento, en latín. Base de la música sacra medieval; se canta en estilo libre y melismático. Atribuido tradicionalmente al papa Gregorio I (de ahí su nombre).
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Monje benedictino italiano, fundamental en la teoría musical. Inventó el sistema de notación en el pentagrama y las sílaba del solfeo (Ut-Re-Mi…). Introdujo la mano guidoniana, un método para enseñar canto.
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Maestro anterior a Pérotin, también en la escuela de Notre Dame. Compuso el Magnus Liber Organi, colección de música sacra polifónica. Desarrolló el organum a dos voces.
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Compositor francés de la escuela de Notre Dame (París). Uno de los primeros en usar polifonía a 3 o 4 voces. Es considerado pionero del organum polifónico.
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Monja alemana, mística, escritora y compositora. Compuso música litúrgica muy personal y expresiva, inusual para su tiempo. Una de las primeras compositoras con obras que han llegado a nosotros.
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Trovador occitano del sur de Francia. Compuso canciones de amor cortés, en lengua occitana. Fue uno de los trovadores más influyentes del medievo.
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Rey de Castilla y León, mecenas de las artes y la ciencia. Promovió la creación de las "Cantigas de Santa María", una gran colección de cantos en galaico-portugués. Aunque no compuso todo, se le atribuye la autoría o supervisión de las obras.
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Poeta y compositor francés del Ars Nova. Escribió la primera misa polifónica completa: Messe de Nostre Dame. Maestro en mezclar música y poesía, desarrolló formas fijas francesas.
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Significa "arte nuevo", surge en el siglo XIV en Francia e Italia. Música más compleja: ritmos variados, notación avanzada y polifonía refinada. Representante clave: Guillaume de Machaut. Introduce nuevas formas musicales como la ballade, rondeau y virelai.
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Compositor ciego y organista italiano. Figura destacada del Trecento italiano (Ars Nova italiana). Famoso por su estilo melódico elegante y uso del "cadencia landiniana". Compuso sobre todo ballatas, obras seculares para voz.
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Johannes Gutenberg fue un orfebre alemán del siglo XV que inventó la imprenta de tipos móviles, revolucionando la producción de libros y facilitando la democratización del conocimiento. Su mayor obra fue la Biblia de Gutenberg, considerada el primer gran libro impreso con su sistema.
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Fue un poeta, músico y dramaturgo español, considerado el padre del teatro español. Escribió églogas que combinan temas pastoriles y religiosos, marcando el inicio del teatro en castellano. También compuso villancicos y canciones renacentistas. Su obra une poesía, música y teatro, y representa la transición del medievo al Renacimiento.
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Martín Lutero (1483–1546) fue un monje y teólogo alemán que inició la Reforma Protestante en el siglo XVI. En 1517, publicó sus 95 tesis, en las que criticaba las prácticas corruptas de la Iglesia católica, especialmente la venta de indulgencias. Defendía que la salvación se obtiene por la fe y no por las obras o el dinero, y que la Biblia es la única autoridad en materia religiosa. Su acción provocó una gran división en la cristiandad y dio origen al protestantismo.
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Cristóbal de Morales (alrededor de 1500–1553) fue un compositor español del Renacimiento, considerado uno de los más importantes de su tiempo. Trabajó en Roma como cantante en el coro de la Capilla Sixtina y compuso principalmente música religiosa, como misas, motetes y himnos. Su estilo se caracteriza por su gran expresividad y perfección técnica, y su obra tuvo una gran influencia en la música sacra mental.
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Antonio de Cabezón (1510–1566) fue un compositor y organista español del Renacimiento, considerado uno de los músicos más destacados de su época. Ciego desde niño, sirvió en la corte del rey Carlos I y luego de Felipe II. Compuso principalmente música para órgano y tecla, destacando por su estilo elegante y su habilidad para crear variaciones sobre melodías populares y religiosas. Su obra influyó en muchos músicos europeos y marcó un hito en la historia de la música para teclado.
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Fue un compositor italiano del Renacimiento, famoso por su música religiosa polifónica. Trabajó en importantes iglesias de Roma y compuso más de cien misas y numerosos motetes. Su estilo se distingue por la claridad, el equilibrio y la pureza del contrapunto, y fue tomado como modelo de la música sacra durante siglos.
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Fue un compositor flamenco del Renacimiento, uno de los más importantes de su época. Viajó y trabajó en varias cortes europeas, especialmente en Múnich, donde dirigió la música de la corte bávara. Compuso más de 2,000 obras, incluyendo misas, motetes, madrigales y canciones en varios idiomas. Su música destaca por su expresividad, variedad y dominio del contrapunto. Fue una figura central de la música renacentista y uno de los últimos grandes maestros de la polifonía.
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Fue un compositor y organista italiano del Renacimiento, originario de Venecia. Trabajó en la Basílica de San Marcos y aprovechó su acústica para crear un estilo brillante con coros e instrumentos separados. Compuso música sacra, madrigales y obras instrumentales. Fue maestro y tío de Giovanni Gabrieli, y una figura importante de la Escuela Veneciana.
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Fue una compositora, cantante y lutenista italiana del Renacimiento, conocida por ser la primera mujer en publicar música impresa en Europa. Escribió principalmente madrigales, destacando por la expresividad de sus melodías y el uso del contrapunto.
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Fue un compositor español del Renacimiento, considerado uno de los más importantes de la música sacra de su época. Fue sacerdote y trabajó principalmente en España e Italia, componiendo misas, motetes y villancicos. Su música se caracteriza por un profundo sentido religioso, claridad del contrapunto y gran expresividad emocional, situándolo junto a Palestrina como uno de los grandes maestros de la polifonía renacentista.
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Fue un compositor y organista italiano del Renacimiento tardío y principios del Barroco, activo en Venecia. Trabajó en la Basílica de San Marcos, donde desarrolló el estilo cori spezzati, usando coros e instrumentos en grupos separados para lograr efectos espaciales y sonoros. Compuso música sacra, motetes, madrigales y obras instrumentales, influyendo en el desarrollo de la música barroca en Europa y dejando un legado importante en la polifonía y la escritura para conjuntos instrumentales.
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Fue un compositor italiano del Renacimiento tardío, conocido por sus madrigales extremadamente expresivos y audaces. Era príncipe de Venosa y combinó su vida aristocrática con la composición musical. Su música se caracteriza por el uso dramático de cromatismos, disonancias y contrastes emocionales, lo que la hace única y avanzada para su tiempo. Gesualdo influyó en la música madrigalística posterior y es considerado un precursor de algunas técnicas del Barroco temprano.
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Fue un compositor italiano que marcó la transición entre el Renacimiento y el Barroco. Trabajó en Mantua y Venecia, componiendo madrigales, óperas y música sacra. Es conocido por desarrollar la ópera como género musical, destacando su obra L’Orfeo. Su música combina contrapunto renacentista con expresividad dramática barroca, influyendo profundamente en la evolución de la música europea.
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Fue un compositor italiano del Barroco temprano, conocido especialmente por sus oratorios y cantatas sacras. Trabajó principalmente en Roma y desarrolló formas musicales que influyeron en la ópera y la música vocal religiosa posterior. Su estilo se caracteriza por la claridad expresiva, la melodía fluida y el dramatismo contenido, siendo una figura clave en la música barroca italiana.
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Fue una compositora y cantante italiana del Barroco temprano. Nació en Venecia y fue reconocida por su talento vocal y compositivo en una época en que pocas mujeres podían dedicarse profesionalmente a la música. Escribió principalmente cantatas, madrigales y arias, muchas para voz solista con acompañamiento instrumental. Su música se distingue por la expresividad, la belleza melódica y la claridad en el texto, y se considera un ejemplo destacado de la música vocal barroca italiana.
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Fue un luthier italiano del período barroco, nacido en Cremona, famoso por fabricar violines, violas y violonchelos de calidad excepcional. Sus instrumentos, conocidos por su sonoridad, equilibrio y proyección, se consideran los mejores del mundo y son muy valorados por músicos y coleccionistas hasta hoy.
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Fue un compositor y músico inglés del Barroco, conocido por su música teatral y vocal. Trabajó en la corte y en teatros de Londres, componiendo óperas, música incidental y canciones. Su estilo se caracteriza por la expresividad de la melodía, el uso elegante del contrapunto y un gran sentido dramático, influyendo en la música inglesa del siglo XVII.
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Fue un compositor, violinista y sacerdote italiano del período barroco, nacido en Venecia. Es conocido principalmente por sus conciertos para violín, especialmente Las Cuatro Estaciones, aunque compuso más de 500 conciertos, además de óperas, música sacra y obras para diversos instrumentos. Su música se caracteriza por la energía rítmica, melodías brillantes y un estilo virtuoso, influyendo en el desarrollo del concierto barroco y dejando un legado duradero en la música europea.
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Fue un compositor alemán del Barroco tardío, conocido por su música instrumental y vocal. Trabajó principalmente en Hamburgo como director musical y compositor de óperas, oratorios y música de iglesia. Su obra se caracteriza por melodías claras, armonía elegante y un estilo accesible, siendo muy popular en su tiempo y dejando un legado importante en la música barroca alemana.
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Fue un compositor y organista alemán del barroco, considerado uno de los grandes maestros de la música clásica. Compuso cantatas, misas, pasiones, conciertos y obras para teclado, destacando por su dominio del contrapunto, la armonía y la estructura musical.
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Fue un compositor alemán del Barroco, conocido por su música sacra y teatral. Trabajó en Alemania, Italia e Inglaterra, donde alcanzó gran fama. Compuso óperas, oratorios y música instrumental; su obra más famosa es El Mesías. Su música se caracteriza por melodías expresivas, grandiosidad y dramatismo, y ejerció una gran influencia en la música europea posterior.
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Gluck fue una figura clave porque se cansó de la ópera barroca llena de adornos y quiso devolverle la sinceridad al teatro musical. Pensaba que la música no debía lucirse por sí sola, sino ayudar a contar la historia y expresar las emociones de los personajes. Por eso simplificó las melodías, dio más importancia al texto y buscó una mayor naturalidad en la expresión. Gracias a él, la ópera empezó a ser más clara y dramática.
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Haydn pasó gran parte de su vida al servicio de una familia noble, lo que le permitió experimentar y desarrollar su estilo con libertad. Fue una persona con mucho sentido del humor, algo que se nota en su música. Gracias a él se consolidaron la sinfonía y el cuarteto de cuerda como formas musicales importantes. Su música es clara, ordenada y muy bien construida.
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Mozart fue un niño prodigio que desde muy pequeño viajó por toda Europa dando conciertos. Compuso con una facilidad asombrosa y dejó obras maestras en todos los géneros. Su música es equilibrada y elegante, pero al mismo tiempo muy expresiva y humana. En sus óperas, los personajes sienten, se equivocan y aman como personas reales, algo poco habitual hasta entonces.
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Fue una pianista y compositora austriaca que, a pesar de haber perdido la vista desde muy joven, desarrolló una importante carrera musical. Viajó por Europa dando conciertos y defendió la educación musical para personas con discapacidad. Su música es elegante y sigue el estilo clásico de su tiempo.
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Nannerl fue una música extraordinaria desde niña y durante años tocó junto a su hermano Wolfgang. Sin embargo, cuando creció, la sociedad de la época no permitió que siguiera una carrera pública. A pesar de su talento como intérprete y compositora, quedó relegada al ámbito doméstico. Hoy se la recuerda como un ejemplo del talento femenino invisibilizado en la historia de la música.
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Beethoven rompió los límites del clasicismo y abrió la puerta al romanticismo. Su música es más intensa, más personal y más dramática que la de sus predecesores. Vivió una vida marcada por el sufrimiento, especialmente por la sordera, pero transformó ese dolor en obras llenas de fuerza y emoción. Para él, la música era una forma de expresar su mundo interior.
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Rossini fue un compositor brillante y rápido, famoso por sus óperas cómicas llenas de energía y humor. Sus melodías son ágiles y pegadizas, y sus oberturas siguen siendo muy populares hoy en día.
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Schubert vivió una vida corta y discreta, pero dejó una obra inmensa. Fue especialmente importante en el lied, donde supo unir la poesía y la música de una manera muy íntima. Su música transmite melancolía, ternura y una profunda sensibilidad. Muchas de sus obras no fueron reconocidas hasta después de su muerte.
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Berlioz fue un compositor imaginativo y apasionado. Introdujo la música programática, donde la música cuenta una historia, y revolucionó la orquesta con nuevos colores y combinaciones sonoras.
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Mendelssohn fue un músico culto y equilibrado. Su música es elegante, clara y refinada. También tuvo un papel importante en la recuperación de la música de Bach.
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Schumann fue un compositor muy influido por la literatura y la imaginación. Su música refleja estados de ánimo cambiantes y emociones intensas. Sufrió graves problemas mentales, lo que marcó tanto su vida como su obra. Aun así, dejó composiciones muy personales y emotivas.
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Chopin dedicó casi toda su música al piano. Su estilo es delicado, poético y muy expresivo. A través del instrumento transmitió nostalgia, tristeza y pasión de una manera muy íntima.
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Liszt fue una auténtica estrella del piano en su tiempo. Su virtuosismo era espectacular, pero también fue un compositor innovador. Experimentó con nuevas armonías y formas musicales.
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Verdi convirtió la ópera en un auténtico drama humano. Sus personajes viven conflictos intensos y profundamente emocionales. Su música conectó con el público y también con el sentimiento nacional italiano.
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Wagner transformó por completo la ópera. Sus obras son largas y complejas, basadas en mitos y leyendas. Utilizó leitmotivs para representar ideas y personajes, y buscó unir música, teatro y poesía en una sola obra.
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Clara fue una de las pianistas más importantes del siglo XIX. Compaginó su carrera con la composición, aunque durante mucho tiempo su obra quedó en segundo plano. Hoy se reconoce su talento y su sensibilidad musical
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Smetana quiso crear una música que representara la identidad checa. Sus obras están llenas de referencias a su tierra.
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Brahms admiraba profundamente a los compositores clásicos y quiso continuar su legado. Aunque fue romántico, mantuvo estructuras formales muy cuidadas. Su música combina profundidad emocional con un gran rigor técnico, lo que le dio un estilo serio y sólido.
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Mussorgski buscó una música más directa y realista. No le preocupaba tanto la perfección técnica como la expresión auténtica.
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Chaikovski destacó por su capacidad para crear melodías emotivas y dramáticas. Su música expresa emociones profundas y a menudo trágicas.
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Dvořák supo integrar melodías populares en la música clásica. Su estilo es cercano y muy expresivo.
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Grieg reflejó en su música los paisajes y tradiciones de Noruega, con un estilo lírico y evocador.
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Fue un gran maestro de la orquestación. Su música es colorida y se inspira en cuentos y leyendas rusas.
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Puccini llevó la emoción al primer plano. Sus óperas muestran historias cercanas, con personajes vulnerables y situaciones realistas. Sus melodías son muy expresivas y fáciles de recordar.
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Wolf se centró casi exclusivamente en el lied. Para él, el poema era el punto de partida de todo. Su música sigue muy de cerca el significado del texto, utilizando armonías atrevidas para expresar cada palabra y cada emoción.
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Mahler entendía la sinfonía como un reflejo del mundo entero. Sus obras son largas, intensas y muy emocionales. En ellas se mezclan lo trágico, lo irónico y lo espiritual. Su música habla de la vida, la muerte y el sentido de la existencia.
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Debussy rompió con la tradición tonal y buscó crear atmósferas sonoras. Su música sugiere más de lo que afirma, como una pintura impresionista hecha sonido.
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Sibelius desarrolló un lenguaje muy personal, inspirado en la naturaleza y la mitología finlandesa.
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Schönberg rompió con la tonalidad tradicional y creó el sistema dodecafónico. Su música supuso un cambio radical en la historia musical.
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Ravel fue un compositor muy meticuloso. Su música es clara, precisa y llena de color. Tenía una gran habilidad para la orquestación.
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Falla incorporó elementos del folclore español, especialmente andaluz, en una música muy cuidada y expresiva.
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Bartók investigó la música popular y la integró en un lenguaje moderno. Su música es rítmica, intensa y a veces áspera.
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Kodály creía que la educación musical debía estar al alcance de todos. Además de compositor, fue un gran pedagogo.
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Turina combinó la tradición española con la influencia francesa, creando una música elegante y colorida.
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Stravinsky fue un compositor inquieto y cambiante. Cada etapa de su vida tuvo un estilo diferente, siempre innovador.
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Villa-Lobos mezcló la música académica con ritmos y melodías brasileñas, creando un estilo propio y muy original.
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Gershwin logró unir el jazz con la música clásica. Su música refleja la energía y el ritmo de la vida moderna.
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Messiaen creó una música profundamente espiritual. Se inspiró en la religión, la naturaleza y el canto de los pájaros.
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Schaeffer fue pionero en el uso de sonidos grabados como material musical.
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Cage cuestionó qué es la música. Introdujo el azar y el silencio como elementos musicales.
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Henry desarrolló la música electrónica y exploró nuevas posibilidades sonoras.
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Glass es uno de los principales representantes del minimalismo. Su música se basa en la repetición y la evolución gradual de patrones.